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Falling

30.09.2016

Falling

Vanessa Marshは、フォトアーティストであり、天文学者ではありません。生まれは地球ですが、頭の中は星のことでいっぱい。彼女のFalling シリーズを見ているとまるで宇宙の旅をしているかのような気分を味わえます。 一件望遠鏡で撮った宇宙写真のように見えますが、実は写真と絵画を融合したもので、Jackson Pollockの「ドリッピング」技法の進化版を連想させます。 自称「人間界、自然界そして宇宙の世界の探検家」であるVanessa Marshの作品は、ネガを拡大する前に直接上からペイントする、という暗室での細かい作業を要します。2014年にこのシリーズを始めてから続けているテクニックです。

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Matt Storyとハイパーリアリズムアート

28.09.2016

Matt Storyとハイパーリアリズムアート

「私は現代的な暮らしを描き、記憶に刻まれているパーフェクトな瞬間でありながら決して口に出して人と共有することはないような、そんな一瞬を捉えようとしています。それぞれの絵に、モデルのジェスチャー、プラトニズム的な形、典型的な概念、抽出されたエッセエンス――その一瞬を超えて存続するようなもの――を取り入れています」 アメリカやヨーロッパで芸術を学んでいた頃、Matt Story は早い時期から物事のあるがままを描く独自の能力、ハイパーリアリズム(超写実主義)の才能を見せます。U.C.L.A.を卒業後は、ロサンゼルスの自身のスタジオを拠点に主に映画やテレビの世界で活動していました。2013年、妻と共にL.A.を離れて旅に出ると、やがてニューメキシコへ移り住み、現在はそこで毎日欠かさず1日12時間以上絵を描いています。 彼の「フォトリアリスティック」な技法は称賛されていますが、彼自身はカメラで切り取ったシーンと見紛うようなこうした効果を一度も意図して表現したことはありません。彼曰く「人間の記憶のみから生まれた作品には見るべき点が遥かに多い」とのこと。 とはいえ、同じ美学的原則に基づいているため、ハイパーリアリズムはフォトリアリズムの支流と考えられています。ポップアートの流れを受け継ぎ、1960年代に誕生したフォトリアリズムは創造性が日常生活の現実に即した表現に限定される機械的で正確なスタイルである一方、ハイパーリアリズムは対象へのより感情のこもったアプローチという点で区別されます。 Matt Story によるハイパーリアリズム絵画は、鑑賞者に別の錯覚を通じて記憶の錯覚を呼び覚ますような、高解像度のデジタルイメージの錯覚のような、あらゆる種類のデジャブです。彼のキャンバスに描かれた油絵の技法は薄塗りが基本であり、この薄塗りにツヤのある質感を出すテクニックは、彼に最も影響を与えたティツィアーノやカラヴァッジオといった巨匠が用いた古典的な手法と一致します。つまり、彼は伝統的な方法を用いて現代性を全面に押し出した作品を創作しているのです。 クレジット:Matt Story – Robert Lange Studios

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シーンの設定

26.09.2016

シーンの設定

運が良ければまだ写真を始めて間もない頃に、どんな写真でも背景は被写体と同じくらい大切だと教えられます。撮る側としては背後にあるものより被写体を見てほしいので当然不思議に思いますが、入門者が教わるルールや法則のようなもので、これは時間をかけて経験を積んだ後で初めて本当に理解できることです。ただ、教わった時から理解するレベルになるまでの間に、すっかり忘れてしまう恐れがあるので、良い背景を見つけることの重要性について、ここでちょっと思い出してみてください。 背景は被写体から注意をそらすようなものであってはいけない、という原則は、ほとんどの写真家が真っ先に考えることです。これはもっともですが、撮影者が見てほしいと思うものから鑑賞者の気を引いてしまいそうな要素はないか、被写体の背後を観察するだけでは十分とは言えません。頭のてっぺんから電柱が生えていないか確認することぐらいは誰でもわかりますが、そもそもそうした障害物を避けなければならない状況が生じるのは、背景を熟慮せず被写体を選んでしまっているということです。時には被写体の位置や背景を選べない場合もあります。そんな際にやらねばならないのは最大限その状況を活かすことで、実際のところ我々もよく行っています。 まずは背景を撮影 いつもと逆の発想でいけば、被写体が到着する前に自分が写真の背景に選ぶシチュエーションを想像できるでしょう。とはいえ、辺りを見回して「ここはポートレートを撮影するのにぴったりの場所だ」と考えるだけではありません。最初に背景の構成を考え、確実にフレームの中に入るもの、入らないものを検討するのです。こうして背景の構成要素を熟慮すれば、被写体が一番きれいに映る位置が自ずと決まります。 そのシーンがどのように映るのか、被写体の到着前に背景のみを実際に撮影すると役立つはずです。被写体抜きでもその背景は面白いシーンでしょうか?そうであれば撮影はきっとうまくいきます。 結婚式だけでなく 背景に一番気を使わなければならないような大切なイベントといえば、幸せなカップルのフォーマルな写真を撮影する結婚式。撮影者は一番美しいショットが撮れるロケーションを求めて事前に会場内を探し回ることもしばしばです。この方法は肖像写真からストリート・フォト、スポーツ写真まで、あらゆる種類の写真で使えます。撮影者があれこれ研究し、手間をかけて前もって背景の準備をしておけば、どんなタイプの写真であれ格段に質は上がります。 ストリート・フォトでは、背景の構図を考えたら試し撮りを行うことができます。あとはそのシーンに被写体が入ってくるのを待つだけです。肖像写真では、注意をそらす要素のないすっきりと整ったきれいな背景を見つけ、そこに被写体をもってきます。スポーツ写真では、彼または彼女がフレーム内に走りながら入ってきたり、通り過ぎたりする姿がかっこよく見える場所を探します。もちろん、被写体を十分な明るさのもとシャープに、かつ自然な表情で捉えることは重要ですが、背景が被写体を際立たせるものでなければベストショットは生み出せません。

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デザイナー、アートディレクター、クリエィティブディレクターの違いとは?

23.09.2016

デザイナー、アートディレクター、クリエィティブディレクターの違いとは?

デザイナー、アートディレクター、クリエィティブディレクターの違いとは? これはよく議論を呼ぶテーマです。現実はとても複雑なのでせめて理論上だけでも理解しておくとよいでしょう。1ピクセルをトレースするように、わかりにくいかもしれませんが、じっくり読み込んでみてください。 まずは基本から。「ディレクター」という語ですが、辞書を何冊か引くと「段階、プロセス、人々を管理・統括する指導的責任を担う者」といった意味があります。ディレクター(取締役や部長等)は社員が到達し得る管理職のひとつで、中・大企業を見ればその重要性は一目瞭然です。 アートと創作は補完的スキルで、本来人間に備わっている性質の一部です。そのメリットは広く認識されているのでここでは取り上げません。 現在、社会で一般的に使われている「デザイナー(designer)」という語は、20世紀のイギリス英語から来ています。計画やプロジェクトを生み出したり、組み立てたりすることを指す「デザイン(design)」と同様、今日、デザイナーにはビジュアル情報のプロジェクトに関わるアーティストとデザイナーの両方が含まれます。専門的なプロジェクトのビジュアル作成を巧みにこなすことができるアーティストは皆、デザイナーです。 まわりくどいかもしれませんが、しばしお付き合いを!とはいえ、自称デザイナーはいますが、誰でもデザイナーになれるわけではなりません。ここで本題です。問題は「違いは何か?」です。 物事には文字通りの意味で解釈されず、グレーの領域に入るものがあります。今回のテーマはこれに相当すると言えるでしょう。上記の役割の捉え方は、それを行う環境によって変わります。たとえば、プロジェクトの中にそうしたポジションを置かない、あるいは区別しないデザイン会社もあれば、それらを奨励し、違いを明確にしている広告代理店もあります。ですから、役割の違いについて述べるなら、どのような場でそれが行われるのかを考慮しなければなりません。 プロジェクト内の序列を見ると、理論上はトップに(エディターと並んで)アートディレクター、二番手にクリエィティブディレクター、三番手にデザイナー(他の肩書のある職務に就いていないことが前提)となります。どの業務の場であれ、一人の人間がリーダーシップの役割を果たすには、少なくとも責任感があり、業務進行上の全てのステップやプロセスを完全に把握する必要があることを忘れないでください。ただ、こうしたことがよくあるかと言えば、現在ではほとんど見られません。 業務上の段階の序列により、プロジェクト内の役割に基づいた各ポジションの違いが明確になります。それで地位の上下が決まるのではありません。それぞれがプロセスにおける各段階に配置されただけで、あくまで同列です。 序列の構造は、各役割の違いではなく、単にポジションの範囲を表しています。したがって、それが必要というわけでも説明すべきことでもないのです。結局のところ、各ポジションの違いは地位の上下ではなくその役割に基づくものです。 デザイナーは序列の中で重要度が一番低い?そうではありません。一番能力の高いプロが他の人材を監督するのです。彼らは自分たちのディレクターと技能面では同レベルであっても、管理能力が足りない場合もあります。 デザイナーがディレクターのポジションに就くことは可能?デザイナーとして芸術・技術面に優れているだけでなく、周囲の関係者やプロセスを取りまとめる能力があれば可能です。実際のところこうした枠組みにおいて、デザイナーとはプロジェクト(デザイン)の土台となる存在であり、当然ながらデザインという語から派生した名称です。アートディレクターはライターと共に設定された方針を進めていく一方、クリエィティブディレクターは創作の方向性を磨き、クリエイティブ・プロセスにおいて制作理論の道筋から逸れないようデザイナーたちの調整を行います。このプロセスで複数のアシスタントが付くこともあります。つまりチームワークです。ディレクターはプロジェクト(デザイン)の間、体制を維持するわけですが、プロセスの中で特定の役割を担う場合に、アートまたはクリエィティブディレクターと定義されます。 もし時計に針がなかったら?時を刻むことはできても、針を動かす機能がなければ、それは役に立たないアクセサリーに過ぎません。ここで言いたいことは、現場ではデザイナーは自立した存在であり、何でも実行可能ですが、創作から結果を披露するまでの全ての役割を行う際は、一貫した考え方が求められるということです。プロジェクトにおいて、全員が同じ制作理論の道筋に沿って作業を進め、本質的に同じ結果を生み出すのは、サポートがなければなかなか困難なものです。多国籍企業やその専門的部門を見てもわかる通り、こうした序列は円滑に機能しています。他方、現代のプロフェッショナルの柔軟性についていえば、肩書に関係なく、様々な段階の役割を見事にこなしていると言えます。 本記事はブラジルのブログDesign Cultureからご提供頂きました。ライターはCaio Régisさんです。

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Adobe Stock コントリビューターサイトが開始

20.09.2016

Adobe Stock コントリビューターサイトが開始

本日、Adobe Stock コントリビューターサイトのベータ版が開始したことをお知らせします。Adobe Stock と Fotolia から作品を提出できる新しいプラットフォームです。 AdobeによるFotolia買収以降、私たちはクリエイターの皆さまに、より充実した作品提出のプロセスをご提供することを夢見てきました。これまで、アイデア、ご意見、提案をくださいましてありがとうございました! Adobe Stock コントリビューターサイト の特色 世界最大のクリエイティブコミュニティに作品を投稿 すでにストックフォトでコンテンツを販売している方も、初めての方も、Adobe Stockで作品を投稿することにより、Creative Cloudのアプリ内から直接何百万人もの人に作品を披露、販売することが出来ます。 シンプルなインターフェイスと自動タグ付け機能 非常にシンプルなインターフェイスで、大きな特徴は自動タグ付け機能です。提出した画像に5個のキーワードが自動で付けられます。仕組みはこのようになります: 画像をアップロード アップロード後すぐに、弊社のデータベースの他の画像と比較 提出した作品に類似しているベストセラーからキーワードを抽出 キーワードを関連性の高い順番に並べ替え、トップ5を表示、それをレビュー、編集、並べ替え、そしてキーワードの追加をする はじめは完璧なキーワードが出てこないかもしれませんが、徐々にあなたから学習していきます。利用して、修正していけば行くほど性能が上がります。性能が上がれば上がるほど、時間の節約になります。(時は金なり!) Creative Cloud アプリからスムーズな投稿 Creative Cloudのアプリケーションから直接Adobe Stockへ作品を提出できるので、時間の節約と煩わしさが軽減されます。 しばらくは、最終的に画像を提出するために、コントリビューターサイトで二つのステップが必要です。今後CCから直接アップロードできるコンテンツの種類の追加、アップロードできるアプリを追加していく予定です。 大切なお知らせ: ゼロ インパクト:今のFotoliaのアカウントには影響はありません。画像の提出、管理、販売、報酬などはこれまでと同様です。Adobe Stock コントリビューターアカウントがあっても、Fotoliaアカウントにアクセスできます。 ベータ:公開ベータ版なので、まだ実装されていなかったり、正しく機能しないかもしれませんが、期待に応えらえるよう定期的にソフトのアップデートを行っていきます! シングル データベース:Adobe Stock と Fotoliaは一つのデータベース、バックボーンです。どちらで投稿しても、作品は両方のプラットフォームで販売されます。2重投稿になるので、同じ作品を両方に提出しないでください。 アカウントの同期:Adobe Stock コントリビューター アカウントを試す際、Fotolia アカウントと同期のオプションが表示されたときに、同期させてください。アカウントを同期させることにより、すべてのFotoliaのファイル(タックスフォーム、身分証明書、モデルリリースなど)がAdobe Stockのアカウントからもアクセス出来るようになり、時間の節約になります!同期する機会を逃すと、後では出来ませんのでご注意ください。 さらなる改善 公開ベータ版は、最新情報のご提供や改善のための皆さまからのフィードバックを得られる貴重な機会です。ご意見をお待ちしております! Morgan David de Lossy Product Manager, Adobe […]

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バックライトで主役を引き立たせる

19.09.2016

バックライトで主役を引き立たせる

ほとんどの人が被写体の前面にかかる光の質、向きと量について考えます。平べったい作品にならないために、フラッシュやリフレクターを使って被写体に当たる左右のライトのバランスを保つよう努力します。カメラの両側から光のレベルをコントロールすることで、撮影している物の立体的な性質を表現できます。後ろから照らす光がどれだけのインパクトを与えられるか忘れてはいけません。 なぜ、何のために? 後ろから照らす光は、被写体の周りに明るいフチを作り、背景から引き立たせます。そのフチは大胆かさりげなくあっても、ミッドトーンと暗い背景とのコントラストを生み出します。フレーム内の他の部分に目が行かないよう、撮影している物を引き立たせるのはとても重要なことで、光のフチで被写体が目立ちます。明るい部分に目が行きやすいので、被写体より明るいアウトラインを作ることで視線を集めます。背景が特に暗い場合は、ペンで縁取りしたかのように被写体をページから飛び出す感じに仕上がります。 どうやって? このエフェクトを作る方法は、屋内外で色々あります。屋外で簡単にバックライトを実現するには、被写体をカメラと太陽の間に置くことです。ローアングル以外での撮影には、最適なテクニックです。太陽の位置が低い夕暮れや冬の日の出でも簡単。レンズに直接太陽の光が当たることは、レンズ要素の露光で悪い反射を引き起こしてしまうので避けましょう。時と場合によって、フレアはシーンを良くしますが、デジタルカメラでは悪い色を生み出して邪魔になってしまいます。 屋内では、テーブルランプや窓から入り込む太陽の光で似たバックライトエフェクトを作り出せます。元々テーブルランプと窓は、低い位置にあり人物の後ろにあることが多いです。テーブルランプの良いところは、温かみのある色を照らすので、被写体の周りに良い輝きを与えます。 フラッシュ 外付けフラッシュを使うことで、屋内外でも適度なバックライトエフェクトを作れます。高価な物やTTLコントロールも必要ありませんが、撮影環境で他のフラッシュよりある程度の明るさを作り出せる必要はあります。 バックライトは強めの物がベストなので、常にディフューザーやソフトボックスは必要ありません。同じフラッシュヘッドを二つ使用する場合は、前のだけソフトボックス付きで使えば、ヘッドパワーを調節せずにモディファイアーの明るさで、十分光のコントラストを作り出すことが可能です。 Damienは写真尽くしの日々を送るAmateur  Photographer誌の元エディター。撮影以外の時間は、www.dpreview.comをはじめとするウェブサイトやAP 誌、British Journal of Photography誌等の雑誌向 けに最新のカメラやレンズに関する記事を執筆したり、商品試用テストを行う。また、新商品や従来の器材の最善の利用法、一段上の写真に仕上げるノウハウを 写真家に伝授するなど後進の指導にもあたる。情熱を傾けているのはストリート・フォトグラフィーだが、ジャンルを問わず写真をこよなく愛する。英国に拠点 を置き、ロンドンや全国で定期的にワークショップを開催。

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スポーツ写真用メイクのコツ

15.09.2016

スポーツ写真用メイクのコツ

ブログの新しいシリーズでは、プロのメイクアップアーティストであるSandra Berminghamを特集します。どんなテーマの撮影でもピッタリのメイクをアドバイスします。 8月のスポーツの祭典が終わっても、我々のスポーツへの関心は衰えることはありません。そんな時にピッタリなテーマがスポーツ写真。ここでSandraの爽やかメイクアップ術をご紹介します: フィットネス撮影に最適なのは、シンプルかつ洗練されたメイクアップです。フィットネスやスポーツの撮影での厚化粧は不要。モデルが爽やかで健康的に見えることが重要です。 BBベースやティント乳液は肌に呼吸させ、化粧直しの回数を減らすので、とても使いやすいです。シミや目の下のクマを隠すためには、肌と同じトーンのコンシーラーを使うことが重要。軽く透明か無色のフェースパウダーでメイクの完了です。 撮影の合間にティッシュで顔の脂をとることで、化粧直しの回数を減らすことができ、厚化粧になることを防げます。 眉毛は、ソフトなアイブローペンシルで隙間を軽く埋めてアイブロージェルでセットするのがベスト。 アイシャドーは、シアーな色でシンプルに。マットすぎたり、キラキラしすぎたり、肌のトーンに合わないものは避けて、ソフトな温かみのあるトーンを使うのが一番です。ウォータープルーフマスカラでメリハリを。 桃色のチークやブロンザーでもあまりキラキラしていないものがベスト。ピンクすぎものはなるべく避けましょう。桃色やコーラル色のような暖色を頬の中心に乗せるとナチュラルに見えて顔がさっぱりします。 モデルが汗をかいたように見せるためには、グリセリン(薬局で買えます)と水を1:1の割合で混ぜたものをスプレーボトルに入れて吹きかけます。グリセリンが汗を再現して蒸発を防ぎます。 リップクリームやグロスをひと塗りすれば、完成です。 Sandra Berminghamは、25年以上ファッション、テレビや広告業の世界で活躍しているメーキャップアーティストです。 Sandraのクライアントには、Sony、Bvlgari、Protein World、TopShop、Jaguar、Johnson & Johnson、Hewlett & Packard、AquascutumとFabergéがいます。 Sandraのクライアントには、Idris Elba、Elizabeth McGovern、Simon PeggやElsa Patakyなどの著名人がいます。

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フリーランスの予算の立て方

12.09.2016

フリーランスの予算の立て方

本日の記事はブラジルのブログ「Design Culture」からの引用で、フリーランスデザイナー向けに提案準備の際に役立つヒントをご紹介します。 多くのフリーランスデザイナーにとって、デザインプロジェクトの予算設定は、駆け出しの頃に直面する課題のひとつ。コンペでクライアントからネガティブな回答を受け取らずに、高すぎず安すぎずの適正な価格をどうすれば提示できるのか、なかなか見当がつきにくいものです。極端に高いとクライアントを失うかもしれず、逆の場合にはアマチュアと思われかねません。 どのデザインプロジェクトにも、これから完成させる作品のみならず、あなたのプロとしての知識とあなたがクライアントにもたらし得る利益を踏まえた報酬が支払わるべきです。 フリーランスの収入は、契約を結んで会社で仕事をする場合のように毎月得られるとも限らないことは想像がつくでしょうし、既に心得ていると思いますが、決して忘れてはならないことは、資金なくしてフリーランスとしてのキャリアを積んでいくことはできないということ。ですから、自分にとって不利にならないよう提案の準備をしてください。 デザインの提案は様々な影響を受けるものですが、以下は押さえておくべき要素です。 費用 自分でプロジェクトに投資しなければならない場合、その費用は提案に反映されるべきです。こうした投資は他のプロジェクトにも役立つものとなるようにしましょう。そうすれば費用は分散され、価格を抑えることができます。 諸経費 移動(燃料、車の消耗品、通行料、公共の交通手段)、通信、紙や印刷等の経費は常に考慮に入れるべきです。これらの出費を全て合わせると、予算に反映し忘れた場合、収入の減少につながりかねません。 事務所の家賃、水や光熱費等については、もし該当するならある程度余裕を持たせることを忘れずに。ただし、予算に詰め込みすぎるのもいけません。 緊急性 急を要する仕事には、通常より多い金額を請求することが可能です。とはいえ、普通なら2週間かかる仕事を2日間で仕上げなければならないとしたら?こうした場合は、プロジェクトを引き受ける前に慎重に考えましょう。抱えているすべての仕事や他のクライアントについて検討し、別の案件に影響が出ないようにしなければなりません。もし対応できるのであれば、厳しい納期と時間外労働に対する金額を上乗せすることです。 知識 クライアントはその道のプロが手掛ける仕事には正当な対価を支払う用意があることを忘れないでください。是非自信をアピールして、あなたにその仕事をやり遂げ遂げる能力があことを示しましょう。 対象顧客の評価 ほとんどの場合、請求金額は仕事の相手先に影響されます。ですから、コンペ、クライアント、将来のクライアントについて、支払い能力の評価を行い、分析することは大切です。 時間 時は金なり。提案に際しては、請求すべき金額を時給で決め、その仕事に費やす時間を見積ってください。必要な出張や様々な作業(資料、色校正等)、リサーチの時間も忘れずに含めます。 前述のとおり、コンペや対象顧客の分析は大切です。仕事では多少なりとも時間の無駄が出てくるかもしれません。それを予算に含められるか否かは、コンペの基準となる価格次第でしょう。また、時には見積もった時間をオーバーしてしまう場合もあります。しかし、素晴らしい仕事をすれば、クライアントはそれに見合う評価を行い、今後のプロジェクトであなたに打診してくるはずです。 予算設定の際に考慮すべき点は他にもあるかもしれませんが、ここでご紹介したのは最も実際的なヒントです。 着手するプロジェクトのことだけでなく、それに費やす時間を常に念頭に置く必要があること、そして経済的な要素こそ、より良い仕事を成し遂げようという気にさせる原動力のひとつであることをお忘れなく。 Ricardo Aredeさん、記事を提供して下さりありがとうございます。元の記事はブラジルのブログDesign Cultureに掲載されたものです。

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WUNDERVISUALS:スタンダードを作る

07.09.2016

WUNDERVISUALS:スタンダードを作る

映像プロデューサー集団、Wundervisualsの作品は、徹底した監督の指示、何度も練り直される企画、喜々として取り組むクルーたちの姿があってこそ生まれます。Kevin とPascalsのポートフォリオは、遊び心に溢れ、活き活きとした描写で人を惹きつけ、誰もがその作品の中に入り込みたくなります。二人は素晴らしいチームと組み、ユニークな視点を持ち、最初に夢中になった写真で培ったものを活かしてその代名詞とも言える夢のような映像を作り上げ、新鮮なコンテンツを提供し続けています。 お二人の写真歴とストック映像を撮るようになった経緯についてお話し頂けますか? 二人とも写真を始めたのはティーンエイジャーの頃です。 ケビンはロモグラフィーをきっかけに写真に夢中になりました。粗い質感、夢の中のような雰囲気、面白い色味、光漏れ、思いつくまま気軽に撮るという新しいやり方に惹かれたんです。 パスカルの方は、画像の持つパワーに触れてすっかり写真の虜になりました。写真は、エキゾチックな場所へ連れていってくれたり、さまざまな瞬間を蘇らせてくれたり、感情を揺さぶったりすることができます。私たちは写真家の見習いをしていた頃に出会い、その7年後に一緒に会社を始めました。 最初のうちはウェディング写真を中心に活動を行い、その傍らにストックコンテンツを制作していたんです。当時は、周囲に影響を与えられるような写真はほとんど撮れず、その一方で美しい画像をどんどん仕上げなければならない状況でしたから、プレッシャーがかなりあって、まるで写真の「強化キャンプ」といった感じでした。その後しばらくしてストック・ビジネスの自由の味を知り、2年前から100%ストックコンテンツを扱う会社になりました。 映像のどんなところに惹かれますか? 私たちにとって映像制作はストーリーを語る新鮮な手法でした。数年間写真家としてやってきた後、デジタル一眼レフカメラからビデオに切り替えたので、ビデオは新たな発見でしたね。それまで感情を表現するのは1フレーム=1枚の写真に限られていましたから。 今では、友達が集まって笑い声を上げたり、子どもたちが紙吹雪のシャワーに喜んでいる様子を5秒から30秒の連続的なシーンで表現することができます。それに、スローモーション映像の楽しさや美しさも知りました。この発見のおかげでいっそう創作に弾みがつき、スローモーションの中でどの瞬間、どのアングル、どの小道具が特に素晴らしいのかだいぶ心得てきました。 最近新しい機材を導入し、映像制作への情熱がさらに強まりました。俯瞰場面を取り入れた新しいタイプの映像を撮っているのですが、困難なところもある反面やりがいもあります。こうしたことのおかげで、自分たちの気持ちを新鮮に保ち、私たちのストック映像が時代の精神の中にあり続けることができるんです。 お二人ともお話を聞かせて頂きありがとうございました。彼らの作品にご興味のある方は、是非こちらのポートフォリオをご覧ください。Facebook 、Vimeoのショーリール(作品集)も併せてどうぞ!

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クリエイティブな知性を育てる

07.09.2016

クリエイティブな知性を育てる

子どもたちがそこらへんにある日用品をカメラやカプチーノマシンに見立てて遊んでいる様子を眺めていると、自然と湧きでてくる想像力と創造性を目の当たりにします。眼前にないもの、存在しないもの、これまで経験したことがないことを私たちが想像し、頭で思い描くことができるのは、クリエイティブな知性があるからです。この能力はどの子どもにも備わっており、特別あるいは才能豊かだと見なされることはありません。 とはいえ、社会がこうした創造性を促し、磨き上げ、評価すれば、小さなクリエーターたちは発明家、エンジニア、医師、デザイナー、アーティストへと育つチャンスに恵まれるのです。 絶えず変化するグローバル経済の中で、クリエィティブな知性はデザイン分野でのみ尊重されているわけではありません。多くの部門が、職務上の自己開発やイノベーションにおいて、クリエィティブな思考に注目するようになっています。世界や周囲の身近な環境に対するこうした視点は、私たちがさまざまな仮説を立て、新たな可能性について検討したり熟考したり、さらには代替案を思い描いて、それを実現させたりすることにつながります。 幼少時代から成人期に至るまで、人間のクリエィティブな知性を活かしていけば、創造性はほんの一握りの特別な人に与えられる才能だという神話を崩すことができるかもしれません。まずは、遊びを取り入れてみましょう。興味を深めたり、コラボしたり、チャレンジしたり。さらには、新しい題材やアプローチに挑んだり、限界を試してみたり! 遊びは成長の重要な一部であり、物事の仕組みや画期的な問題解決法を見出すうえで役立ちます。学習や職場の環境に遊びを持ち込むことで、協調的で風通しのよい雰囲気が生まれ、物事の決まりきったやり方に対して挑む自信が湧いてくるものです。 イノベーションに限らず、ストレスを和らげたり、あなたと世界や周囲の人々とをつなぐ助けとなる遊び。それは単なるゲームではありません。困難を感じたり、集中したり、創造意欲や活力が湧いたりする精神状態そのものでなのです! テキスト: Selina Kearney

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2D アニメーション チュートリアル

07.09.2016

2D アニメーション チュートリアル

夏に長い休暇でゆっくりした多くの人にとって、9月はまた本気モードに戻る時。そんな時期を少しでも楽にするために、特別に Adobe After Effects CC で作る2D ループアニメーションのチュートリアルをご用意しました! かなり長くなるので、簡単にわかりやすいステップに分けました: 1-最初のステップ(アニメーションにする素材選びとドキュメント設定) 2-最初の素材をインポート 3-最初の素材のタイムラインにキーフレームを設定する 4-二つ目の素材をインポート 5-二つ目のコンポジションのキーフレームを設定する 6-すべてを組み合わせるためにコンポジションを新規作成 7-ループを作るために最後のコンポジションを作成 8-アニメーションをエクスポート 1  最初のステップ: アニメーションを始めるには、アニメ化する素材が必要です。今回は、Adobe Illustrator CCでスーツケースとランチボックスの二つイラストを使用しました。 まず初めに、3つの大事なこと: – Illustratorのドキュメントのセットアップ。ビデオアニメーションと同じサイズである必要があります。(今回は、Full HD 1920 x 1080, RGBにします。) –  素材の要素をレイヤーに分ける。アニメ化したい要素を、それぞれのレイヤーに分ける必要があります。そうしないと、After Effectsで個別の要素として認識されません。(グループ化された要素は、一つのオブジェクトとして認識されます。)レイヤー一つ一つにわかりやすい名前を付けることで、後からのAfter Effectsでの作業が楽になります。   –   ひとつのアートボードに素材を保存。今回は、二つのIllustratorファイルを使用します。一つはスーツケース、もう一つはランチボックスです。 2 素材をインポート: 素材の準備が出来たら、After Effectsを開いて新規プロジェクトを作ります。Illustratorのファイルをインポートするには、File/Import/Fileをクリック。次に、最初のIllustratorファイル(スーツケース)を選択します。「インポートの種類」は「コンポジション」(要素の位置がそのままになります)、動画範囲には「レイヤーサイズ」(1920 x 1080)を選びます。   プロジェクトパネル内では、コンポジションは全てのレイヤーと一緒に一つのフォルダーに表示されます。 アニメーションのプロセスを始めるには、コンポジション(Tut-lunch_A)をクリック。メインパネルとタイムラインに表示されます。このように全てのレイヤーが揃って正しい位置(Illustratorのアートボードと同じ)にあります。 3 最初の素材のタイムラインにキーフレームを設定する: まずは、ループの中でどのような動きのアニメーションを作りたいか決めます。今回は、スーツケースからランチボックスへの変身です。スーツケースとしての要素が全て消えて、シンプルな長方形に代わって、最後にランチボックスになります。 上部のレイヤーから始めます。今回はスーツケースの2つのステッカーの部分です。内側に消えて欲しいので、3つのキーフレームを設定します。 最初のステッカーレイヤー(Sticker_2)でトランスフォームアローを開きます。ここで編集のメインオプション(アンカーポイント、ポジション、スケール、回転、不透明度)が見えます。今回は、このうち3つを使用します(ポジション、スケール、回転)。       ステッカーを内側に消すために、「スケール」のキーフレームを設定します。キーフレームを設定するためには、「スケール」の隣の時計のアイコンをクリックする必要があります。そしてダイアモンドのボタンでキーフレームを追加したり削除したりできます。 最初のキーフレームが補間の始まりとなります。このキーフレームは、タイムラインで一秒先に設定。(アニメーションが始まる前に一瞬間が入ります。) […]

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ストック用コンテンツのカレンダー作り

07.09.2016

ストック用コンテンツのカレンダー作り

9月です!学校や仕事もスタートし、日常に戻りました。心が充電され、エネルギーがみなぎり、ストックフォトの作品もどんどん生み出されていくことでしょう。もちろん、仕事は効率よく行いたいもの。整理整頓された状態で、魅力的なコンテンツを制作して提供し、首尾よく管理したいですね。そのために今回はストックコンテンツの年間カレンダーを組み立てるうえでのポイントをご紹介します。 ストックコンテンツを制作して提供する際にきわめて重要なのはタイミングです。季節感あふれる作品を一年を通じて無計画に送るのは、最善のアプローチとはいえません。サイトでは最新のコンテンツが一番目立つので、真っ先にクライアントの目に留まるようにするには、時期ごとに関連性のあるコンテンツをアップロードするのがベストです。 ストックフォトの年間カレンダーを作成すれば、翌年に向けて制作や提供の計画が立てやすくなるだけでなく、注目度やセールスを最大限に向上させることが可能です。おすすめは更新や編集がラクなデジタル版カレンダーです。 まずは季節の変わり目やホリデーシーズン、世界的に有名な行事などの重要なイベン トに印を付けること。イベントがあれば、基本計画を練ると同時に、コンセプトやモ デル、ロケーション、機材、リリース等の詳細を決めます。計画が事前であればある ほど、実際の制作はスムーズに運びます。 計画の際は、マーケットや対象者についてリサーチすることが大切です。テクノロジーや医学を題材にするなら、必ず最新のモチーフを扱い、最新のガジェットを揃えましょう。事前に準備を行うため、来たるトレンドの最先端に着目する必要があります。ビジュアル・トレンドの各種レポートは、今後の流れを予測したり、次のマーケットの中心になるものを知るうえで大いに役立ちます。 コンテンツの制作と提供は別個のものなので、適宜タイミングを調整する必要があります。購入者側もあらかじめ年間のキャンペーンを組んでおり、広告を発表する数週間前に画像や動画、ベクター素材のライセンスを取得します。 ですから、イベントの数週間前、購入者が購入に動きだす時期に、関連性のあるコンテンツを提供するのが賢明です。たとえば、この冬に制作するクリスマス関連の作品のニーズが最も高まるのはおそらく来年です。クリスマスといえば通常は変わらない題材なので、ファイルをしばらく温めておいて翌年のキャンペーンの時期にご提供ください。 カレンダーを作成し、作品を提供する頻度を調整することは、注目度を最大限に伸ばすことにつながります。一貫性を持って定期的に送ることが肝心です! とはいえ、やり過ぎないように!カレンダーを活用して、対応可能なスケジュールを設定しましょう。そしてそれを守ることです。ひと月にどのくらい作品を完成させることができるのか、一年に何度作品を送るのかを決めておくのです。 これでもう、前もっての計画はばっちりです。厳しい納期にストレスを溜めることもなくなるでしょう。素晴らしいアイディアはすべて探し出せて、作品提供も定期的に行えるようにするのですから、コンテンツ作成の全プロセスをより効率的に管理できるようになるはずです。 テキスト:  Aurore Campbell / コンテンツ・キュレーター

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